La série des SYR (Sonic Youth Recordings) a toujours été, depuis 1997, pour Sonic Youth, l’occasion de sortir des chemins battus, de proposer quelque chose de nouveau. D’ailleurs, pour résumer (si vous ne connaissez pas le concept de la série), c’est un peu le principe: des disques expérimentaux, sortis en marge de leurs albums “officiels” par le groupe, sur leur propre label (SYR, donc) afin d’explorer de nouveaux territoires. Et même si, depuis quelques années, le rythme des sorties s’est considérablement ralenti (deux ans et demie séparent ce volume du précédent), et que le groupe, plutôt que de créer de la musique spécialement pour ces disques (comme sur les cinq premiers SYR, qui offrent des extraits du groupe en répétition, des collaborations avec d’autres musiciens, etc), s’attaque à un travail d’archivage en exhumant des performances passées (SYR6 était un enregistrement d’un live expérimental avec le percussioniste Tim Barnes, en hommage au cinéaste contemporain Stan Brakhage, proche du projet Text Of Light de Lee Ranaldo, ce SYR7 se compose de deux morceaux datant de 2001, alors que le SYR8 qui paraitra dans deux semaines environ, présente un concert de 2005 en collaboration avec Merzbow et Mats Gustafsson), ces disques présentent toujours un très grand intérêt pour qui s’intéresse à la facette la plus expérimentale des New-Yorkais.

Ce SYR7 (entièrement en ancien français - car chaque volume de la série est dans une langue différente) est donc composé de deux longues pièces d’une vingtaine de minutes, dans une veine drone bruitiste sombre. J’accuse Ted Hughes ouvre le bal: bien connue des fans, car déjà disponible sur Internet dans le passé, mais en très faible qualité sonore, elle confirme ici toutes les promesses que donnaient la version bootleg qui circulait. Il s’agit donc d’une improvisation live, jouée à l’ATP en 2001, composée de guitares bourrées de feedback, au dessus desquelles surnage la voix de Kim, déclamant de la poésie, elle aussi majoritairement improvisée. Le tout dégage une certaine beauté mystérieuse, et se termine dans un chaos bruitiste total, comme la jeunesse sonique sait si bien le faire. La seconde pièce est certes moins intéressante, mais est pour autant loin d’être anecdotique: Agnès B Musique est une autre composition drone, mais au ton plus nocturne et étrange, composée à la base pour une collaboration avec la designer français Agnes B, qui n’a finalement jamais eu lieu - la musique, en revanche, existe bel et bien. Commençant de façon très calme, avec même quelques touches acoustiques, le morceau mute vite vers une ambiance beaucoup plus oppressante, s’approchant parfois des tonalités de l’album NYC Ghosts & Flowers, ou du groupe Double Leopards. Des vagues de bruits se succèdent, et des passages apaisants succèdent à d’autres sections plus angoissantes.

Avec SYR7, le groupe se place donc dans la continuité du volume précédent, nous livrant une musique assez planante, tout en présentant des aspects tantôt bruitistes, opressants, ou au contraire calmes et apaisants. S’il ne s’agit pas du meilleur disque de la série (il faut dire que SYR3 ou SYR6 entre autres avaient placé la barre très haut), ce volume présente tout de même des qualités indéniables qui en font une nouvelle livraison réussie. Notons aussi que la pochette est proprement excellente: il s’agit de la couverture d’un magazine anglais, clamant à la suite du concert d’où provient J’accuse Ted Hughes: Thurston Moore, Goodbye 20th Century, Goodbye Talent! (en rapport avec le titre de SYR4: Goodbye 20th Century).

Sonic Youth - SYR7: J’accuse Ted Hughes (2008, SYR)

1. J’accuse Ted Hughes
2. Agnès B Musique

Myspace: Sonic Youth
http://www.sonicyouth.com

En voyant le nom de ce groupe, ainsi que les photos où les membres du groupe se déguisent en Indiens ou montent à cheval, on a immédiatement l’idée que leur musique doit être fortement tintée de psychédélisme, voire d’un certain côté hippie - on peut même s’attendre à une musique assez clichée. Et si ce psychédélisme est effectivement présent, il est ici transcendé: à l’instar des Psychic Ills par exemple (avec qui le groupe a d’ailleurs tourné), Indian Jewelry s’applique en réalité à créer une musique influencée par ce genre, tout en l’exprimant de façon originale.

On ressent cette originalité dès l’explosif morceau d’ouverture, Lesser Snake, au riff tranchant et à la batterie bien martiale, puis ensuite tout au long du disque: les Houstoniens n’hésitent ainsi pas à recourir à des rythmiques électroniques, voire industrielles (comme sur ce Lying On The Floor tout en sons distordus), à des riffs de basse massifs (notamment sur le terrible Going South, tournant durant plus de dix minutes autour d’une ligne monstrueuse), et à des voix parfois éthérées comme sur Lying On The Floor, et parfois démultipliées à l’infini sous l’effet de l’écho (sur le très saturé Lost My Sight par exemple). L’alternance entre des morceaux très tribaux et d’autres plus planants (le sublime Come Closer en est le plus bel exemple) renforce l’impression d’être tombé dans une véritable spirale sonique, subissant accalmies et accélérations, en mouvement permanent. Les morceaux tournent souvent autour d’idées simples, les paroles sont parfois composées de deux lignes répétées tant de fois qu’elles en deviennent machinales, ce qui accentue encore cette idée, encore confirmée par le fait qu’à quelques exceptions près (PowWow et Health and Wellbeing, plus positifs), une atmosphère nocturne se dégage des différentes pistes de cet album. On navigue ainsi dans un monde complètement à part, comme un rêve éveillé. Le groupe n’hésite pas à s’inspirer de groupes venant d’autres univers pour varier ses horizons musicaux (le spectre des Jesus & Mary Chain flotte sur le final Lost My Sight), sans pour autant tomber dans le pillage ou le plagiat: on a bien affaire à un groupe créant une musique peu commune, d’une intensité sans faille, et ici intéressant de bout en bout.

Invasive Exotics est ainsi une traversée dans un monde inconnu, tantôt angoissant voire oppressant (Dirty Hands est réellement glaçant), tantôt plus apaisant, souvent céleste et cosmique, mais toujours d’une grande qualité, toutes les pièces, y compris les courts interludes que sont Ratnoise et Partying With Jandek, sont ici indispensables à l’album, il n’y a pas de remplissage ici. Un véritable cyclone dont les différents éléments nous happent successivement, et dans lequel il est très plaisant de se plonger. Tout simplement génial.

Indian Jewelry - Invasive Exotics (2006, Monitor Records / Lovepump United)

1. Lesser Snake
2. PowWow
3. Dirty Hands
4. Ratnoise
5. Come Closer
6. Going South
7. Health And Wellbeing
8. Partying With Jandek
9. Lying On The Floor
10. Lost My Sight

MP3: Indian Jewelry - Lesser Snake
MP3: Indian Jewelry - Health And Wellbeing
Myspace: Indian Jewelry
http://www.swarmofangels.com/indianjewelry.html

On ne peut pas vraiment dire que la scène polonaise de rock expérimental soit la plus exposée du monde. De toute manière, ce n’est pas vraiment le propos de cet article, mais ce qui est sûr, c’est que le groupe Ścianka mériterait qu’on parle un peu plus de lui. Ce Pan Planeta, quatrième et dernier album en date du groupe, ne fait que le confirmer - certes, la pochette ne donne pas particulièrement envie de s’y attarder, mais passons.

Le quatuor attaque ici très fort, avec quatre titres monstrueux qui annoncent un véritable chef-d’œuvre: tout d’abord le génial Boję Się Zasnąć, Boję Się Wrócić Do Domu , incontestablement le meilleur morceau du disque, qui alterne des couplets de pop splendide avec des explosions noise massives (et l’on se rend bien vite compte que la langue polonaise s’adapte très bien au rock!), puis un Pęknięcie 1 très expérimental qui mélange une basse malsaine (très proche du Lightnin’ de Sonic Youth) à des cris hystériques, le tout étant sali par une distorsion omniprésente. Le groupe continue dans sa furie frénétique avec un chaotique Wielki Defekator tournant autour d’un riff heavy hypnotique en y ajoutant petit à petit couches de guitares bruitistes et de cris saturés. Enfin, on nous assène un Zepsuta Piosenka qui démarre comme une chanson rock classique mais rapidement déconstruite, au point qu’on finit par se croire chez un Mouthus qui aurait décidé d’écrire des morceaux joyeux.

Le point faible de Pan Planeta, c’est que la suite ne tient pas vraiment le niveau de ces quatre morceaux d’ouverture. Les deux morceaux suivants sont des plages vocales sans grand intérêt; certes, elles sont la preuve que le groupe tente tout (il fallait oser placer une sorte de comptine tout droit sortie d’un dessin animé pour enfants à cet endroit!), y compris les plus grandes excentricités dans le chant, mais c’est à peu près la seule utilité qu’on pourra leur trouver. Le niveau remonte tout de même bien plus haut avec l’instrumental psychédélique Wichura / Głowa Czerwonego Byka qui aurait juste gagné à être raccourci, et avec le splendide et ambient Gotowanie Dla Każdego: Gwiazdy, d’abord maladroit et trop répétitif avant de toucher au sublime. Enfin, le morceau éponyme clot l’album dans un joyeux fouillis angoissant, sur lequel passe en boucle un sample annonçant “Pan Planeta. Pan Planeta.”, lui donnant un air de bande-son d’un quelconque film de science-fiction rétro futuriste - moins intéressant une fois de plus.

Cet album est donc largement réussi, explorant des genres très variés, du noise à l’ambient en passant par la pop ou l’industriel, ce qui donne un effet de constante surprise, tout en étant souvent très efficace: le groupe parvient à faire ressentir des émotions quand il le souhaite, ou à vous emporter dans ses élans de frénésie hystérique quand il le faut. Mais le groupe aurait gagné à supprimer ces deux interludes vocaux au milieu de l’album, qui le scindent en deux parties (c’est peut être l’effet recherché, mais il aurait surement été plus intéressant d’avoir un seul bloc de titres géniaux). Cela dit, on ne peut pas non plus toujours demander des albums où tous les morceaux sont indispensables, et des titres comme ce décidément génial morceau d’ouverture font que ce Pan Planeta mérite bien plus qu’une écoute distraite. Bien sûr, il est bien loin d’être un chef-d’œuvre ou un album parfait, mais il n’en reste pas moins très plaisant et intéressant; pas loin d’être introuvable en revanche, puisque le label a depuis fait faillite…

Ścianka - Pan Planeta (2006, Ampersand / Isound)

1. Boję Się Zasnąć, Boję Się Wrócić Do Domu
2. Pęknięcie 1
3. Wielki Defekator
4. Zepsuta Piosenka
5. Ryba-Kość
6. Armia Palców U Nóg
7. Wichura / Głowa Czerwonego Byka
8. Gotowanie Dla Każdego: Gwiazdy
9. Pan Planeta

http://www.scianka.com

Ce troisième album des américains de Genghis Tron, je l’ai découvert par le biais du single Things Don’t Look Good. Ce que je vais dire est très subjectif, mais j’ai tout de suite pensé que ce morceau représentait tout ce que je n’aimais pas dans le metal: les riffs techniques comme il faut, les passages calmes en contraste à la System Of A Down, la batterie (j’apprendrai ensuite que c’est en fait une boîte à rythme) qui pilonne. Et pourtant, de façon inexplicable, j’ai immédiatement accroché. Parce que Genghis Tron a quelque chose en plus, d’indescriptible, qui fait que leur musique dégage des émotions fortes - et pas seulement de la colère et de la haine, même si le chanteur hurle d’une manière super saturée qui n’est pas sans rappeler Jacob Bannon de Converge.

Le trio a eu la bonne idée de se démarquer de tous les clichés du metal, nottament via l’intégration réussie de machines électroniques (boites à rythmes, synthétiseurs…). D’ailleurs, ce n’est pas leur seule bonne idée: ce Board Up The House en regorge, du début à la fin. Tout en ruptures (les changements de tempo sont d’ailleurs très fréquents), tous les morceaux sont l’occasion pour le groupe de nous prouver un peu plus son originalité, en brisant toutes les limites qu’on pourrait chercher à lui imposer: vous trouverez donc ici tout aussi bien des passages foudroyants d’une brutalité extrême (par exemple sur un Colony Collapse terrassant, à la basse très rythmique et où le chanteur me rappelle celui des regrettés Lowercase) qu’un morceau se rapprochant presque d’un hip hop oppressant, avant de devenir stellaire (The Whips), voire des synthés proches de Boards Of Canada sur le couple Recursion / I Won’t Come Back Alive, sans doute l’un des meilleurs moments du disque, tout en tension retenue, vertigineuse, avant des explosions furieuses et dévastatrices. Genghis Tron ose tout, même l’incorporation d’une section festive aux beats dansants juste après une intro très metal (City On A Hill). Surtout, le groupe a la très bonne initiative de laisser de l’espace dans la musique, laissant à l’auditeur de respirer durant des passages chill-out plus contemplatifs dont on ne peut qu’admirer la beauté, plutôt que de nous assaillir continuellement avec une violence étouffante (même si cela a son charme chez certains groupes, cela serait probablement lassant dans le cas présent): ainsi sur Blow Back, les deux explosions sont séparées par une structure electronica, une nouvelle fois proche de Boards Of Canada; de même, The Feast, transition expérimentale planante, apparait indispensable avant l’époustouflant final: l’album se termine en effet sur un Ergot (Relief) magnifique et épique, composition post-rock céleste et hypnotique dont on ne ressort pas indemne, et qui achève de nous convaincre que cet album est décidément unique et n’est pas un simple recueil de violence vaine: ces Genghis Tron sont vraiment des compositeurs doués. Je ne peux pas prétendre être un grand fan de metal, mais cet album est réellement ce que j’ai entendu de mieux dans le genre depuis un bout de temps. Surprenant à tout instant, incluant des choses que l’on n’aurait même pas osé imaginer, c’est un vrai trésor d’inventivité qu mérite toute votre attention, un voyage sonore passionant et fascinant: attention au décollage. Vivement recommandé.

Genghis Tron - Board Up The House (2008, Relapse)

1. Board Up The House
2. Endless Teeth
3. Things Don’t Look Good
4. Recursion
5. I Won’t Come Back Alive
6. City On A Hill
7. The Whips
8. Blow Back
9. Colony Collapse
10. The Feast
11. Ergot (Relief)

Vidéo: Genghis Tron - Things Don’t Look Good

Myspace: Genghis Tron

Au tout début de cet album du prodige français Frédérick Landier, alias Rubin Steiner, il y a quelques sons de cirque, qui durent quelques secondes, avant de laisser progressivement la place à un beat basique et une mélodie simpliste et claire sur lequel une voix nous déclame une liste de prénoms (”Albert. Anton. Anna. Bernhard. Emma…”). Could You Spell It?, nous dit le titre du morceau. On rigole doucement. En réalité, on vient de rentrer sans le savoir dans un voyage musical interstellaire, oubliant toute idée de genre. Cela dit, on ne va pas tarder à le savoir non plus. Un peu plus de deux minutes plus tard, Rubin nous envoie Your Life Is Like A Tony Conrad Concert, et là on ne rigole plus du tout, parce qu’on est remis à sa place comme il faut: des synthés qui vous martelent, des cowbells à n’en plus finir, et un chant imparable démultiplié infiniment, des scratchs dans tous les sens! Inutile de résister, vous êtes déjà en train de taper du genou et de secouer la tête. Et après ça? Hé bien, ça continue, et vous trouverez tout ce que vous cherchez: du hip hop groovy et efficace? Il y en a un peu partout (en particulier sur Murderation et sa mélodie géniale)! Des programmations electronica endiablées à la Aphex Twin? Il y en a aussi (écoutez la fin speedée du Schlaffenwagonnet)! Des scratchs acides qui vous mettent la bave aux lèvres et-qu’on-en-redemanderait-pendant-des-heures-tellement-c’est-bon? Mais bien sur, allez écouter Ten Drummers Back, vous n’en ressortirez plus. De courts speechs en français par-ci et par-là? Hé oui, il y a de ça aussi (”Bras écartés au-dessus de la tête. Secouez les mains, beaucoup plus en avant.”). Et je sais que vous alliez le demander, vous trouverez aussi bien sur un genre de chorale hip hop (Put Your Horn In Your Ass And Pull Off - titre mémorable), un morceau à la guitare sèche aux consonnances espagnoles (Que Bonita Es La Vida), des relents de nu jazz à droite et à gauche (My Own Style), des morceaux épiques (Universe). Et puis des intros parfaites, car il faut le dire, ce Rubin a décidément le don pour vous rallier à sa cause dès les premières secondes de ses morceaux, il n’y a qu’à entendre Murderation: en quelques secondes, tout est dit (”Greetings, my friends. Now here’s some music for you all in the dancing mood”, ou quelque chose comme ça), l’atmosphère est déjà au groove pur et dur, et vous, vous êtes déjà en train de préparer la piste de danse.

En bref, cet album est un joyeux fouillis dans lequel vous trouverez de tout, mais toujours organisé de façon à être le plus imparable possible. Vous êtes prévenus: en mettant ce disque, vous êtes prêts à passer 40 minutes agitées. Voire même beaucoup plus, car il est difficile de ne pas avoir envie de rappuyer immédiatement sur Play dès la fin de Don’t Try To Copy Your Heroes. Pour finir, notons que le packaging est superbe (le CD est gravé de sillons, comme un véritable vinyle), et ajoutons qu’on a ici une vraie réfutation organisée de l’argument disant que la musique électronique est inhumaine. D’ailleurs, vous l’entendrez même au cœur du disque: “Robot, robot, c’est un mot de journaliste. Il n’y a pas de robot, il y a un homme, des hommes, il y a des machines, et ces hommes se servent de ces machines!” Vous en êtes peut être conscient ou effrayé (écoutez l’album, vous comprendrez), il n’empêche qu’un enfant de huit ans vous l’expliquerait mieux que moi: ce disque, il est trop cool.

Rubin Steiner - Drum Major! (2004, Platinum Records)

1. Could You Spell It?
2. Your Life Is Like A Tony Conrad Concert
3. Schlaffenwagonnet
4. Murderation
5. Ten Drummers Back
6. An Introduction To Sweet Music
7. Que Bonita Es La Vida
8. My Own Style
9. Universe
10. Put Your Horn In Your Ass And Pull Off
11. Don’t Try To Copy Your Heroes

http://www.rubinsteiner.com
Myspace: Rubin Steiner
Vidéo: Rubin Steiner - Your Life Is Like A Tony Conrad Concert

Foals est en couv’ du NME. Foals joue au festival des Inrocks. Foals passe sur MTV2. Foals est hype. Mais la quintette d’Oxford n’est pas un pétard mouillé. Ces mecs ont une véritable identité, une véritable personnalité, quelque chose à défendre. De vraies valeurs musicales. Il n’y a qu’à lire une de leur interviews pour s’en convaincre, et un groupe qui ne met pas ses deux premiers singles sur son album ne peut pas être foncièrement mauvais!
Foals, c’est la rencontre improbable entre la rigueur du math rock (léger, le math rock, hein), la dynamique fiévreuse de l’afro beat, et la facilité d’accès de la pop. Forts d’une personnalité très marquée, les onze morceaux de cet album donnent furieusement envie de remuer du popotin. Oh non, pas comme on bouge mollement son derrière sur les faiblards et minables Franz Ferdinand, Rakes et autres Killers. Mais se secouer les gambettes avec une réelle passion, peut être pour évacuer toute la tension que combo met en place. Car la tension, ça, Foals est fortiche pour l’insuffler dans ces morceaux: section rythmique ultra référencée, syncopée, mais diablement efficace, doublé guitare à la « Don Caballero goes pop » , qui, si très travaillé, reste toujours accrocheur et pertinent… Et cette voix, Yannis Philipakis, véritable leader de la quintette, entre désir d’absolu et résignation mélancolique, amplifie toute la rage et l’intensité de ces onze morceaux, devenant un vrai guide à travers cet album. Plus généralement, la quintette joue avec une véritable passion, une urgence qui fait fourmiller les jambes, justement, pour danser, de cet air absent, en donnant des grands coup de pieds dans le vide et en imitant le batteur en pleine action (Oui, oui, c’est comme ça que je danse. Et j’ai l’air parfaitement con). « Antidotes » forme un tout, aucun titre n’est en trop. Je vous le disais, ce premier essai a une âme, a quelque chose à revendre, à prouver. En espérant juste qu’ils ne tombent pas du côté obscur de la force.

Foals - Antidotes (2008, Transgressive Records)

1. The French Open
2. Cassius
3. Red Socks Pugie
4. Olympic Airways
5. Electric Bloom
6. Balloons
7. Heavy Water
8. Two Steps Twice
9. Big Big Love (Fig. 2)
10. Like Swimming
11. Tron

Après quelques écoutes de ce second album d’Hendrick Weber, alias Pantha du Prince, compositeur allemand affilié à la techno minimale, on aurait tôt fait de le classer dans la catégorie des disques de techno aux grosses lignes de basse, sans grande émotion dégagée, et sans grand intérêt finalement. Et pourtant, si l’on persévère et que l’on prend la peine de donner à ce disque quelques chances supplémentaires, une autre facette apparait. Et le génie se révèle.

L’electro de Pantha du Prince se fait en réalité très émotionnelle, presque mélancolique par moments - mais cette mélancolie n’est pas toujours perceptible directement, en raison d’un côté finalement très abstrait. Une impression de vertige se dégage également de cet enchevêtrement de basses toutes plus sombres et graves les unes que les autres. L’album s’ouvre donc sur un Asha hypnotique à souhait, à la mélodie discrète, avant de laisser la place au titre le plus évident de l’album, mais aussi l’un des plus réussis: Saturn Strobe. Ce morceau (avec lequel j’ai découvert Pantha Du Prince), construit de beats technos et de nappes de claviers touchés par la grâce, est le plus mélodique du disque. On poursuit avec le plus lumineux Walden 2, qui s’étend sur plus de dix minutes, et à cet instant on se dit que le reste de l’album n’atteindra jamais le sommet que constitue Saturn Strobe. Grave erreur! Et Pantha Du Prince nous le fait comprendre dès le quatrième titre, Moonstruck. Pas d’introduction, dès la première seconde, une basse puissante comme pas deux vous prend et vous cloue au sol tandis que des sons très brefs constituent un semblant de mélodie. Et c’est tout simplement beau. Et addictif, puisqu’on y revient vite très souvent. L’album se poursuit alors en alternant ces passages plus calmes, voire proche de l’ambient par moments (par exemple sur Steiner Im Flug) à des sections techno de qualité (comme sur le très sombre White Out, plastique comme il faut, et sur Florac à partir de la mise en place de la rythmique), jusqu’à l’oppressant final, Paranoid Writings - Seeds Of Sleep, qui après une introduction ambiente, fait sans prévenir apparaitre un piano dépressif et éclatant de beauté.

This Bliss fait preuve d’une cohérence incroyable. On navigue ainsi durant presque 75 minutes dans un univers fondé sur des lignes de basse massives et des mélodies discrètes. On pourrait bien sûr reprocher un certain côté répétitif à l’ensemble (notamment au niveau des rythmiques qui sont souvent similaires), mais cela participe en réalité à la cohérence de l’ensemble, et Hendrick est un compositeur suffisament doué pour être constamment intéressant. Les morceaux s’étendent tous sur plus de cinq minutes (deux morceaux dépassent la barre des dix minutes), construits tout en microvariations: sans qu’on s’en rende compte, des changements, des nouveaux éléments, sont apportés pour faire évoluer l’ensemble, apportant de nouvelles couleurs, de nouvelles tonalités. C’est peut être pour ce côté progressif des morceaux que je ne peux m’empêcher de rattacher cet album, dans mon esprit, à Amber d’Autechre: un album aux mélodies sublimes, profondément humain, qui évolue par petites touches. J’extrapole un peu, certes… Quoiqu’il en soit, ce This Bliss apparait après quelques écoutes comme l’une des œuvres électroniques les plus intrigantes et les plus fascinantes de ces dernières années, un véritable plongeon dans un autre monde, aux contours flous, brumeux et sombres, dans lequel on n’a de cesse de vouloir retourner.

Pantha Du Prince - This Bliss (2007, Dial Records)

1. Asha
2. Saturn Strobe
3. Walden 2
4. Moonstruck
5. Eisbaden
6. Urlichten
7. White Out
8. Florac
9. Steiner Im Flug
10. Paranoid Writings - Seeds Of Sleep

Myspace: Pantha Du Prince
Vidéo non officielle: Pantha Du Prince - Saturn Strobe
Vidéo non officielle: Pantha Du Prince - Moonstruck

Ce soir, c’est la SHELLAC CURATOR NIGHT. Le principe: Shellac, groupe qu’on ne présente plus, à carte blanche pour programmer les groupes qu’ils veulent, dans le cadre de l’excellent festival Villette Sonique, pour une soirée. Le choix: Bottomless Pit, Melt Banana et Mission Of Burma. La salle: Charlie Parker, situé dans la grande halle de la Villette; simplement un gros hangar avec des gradins bien surélevés à l’arrière.

Le temps d’enfourner un succulent sandwich rillettes/concombres/moutarde et c’est Bottomless Pit qui entame les hostilités. Le programme dit, de ce quatuor, qu’il « exécute un rock mélodieux, mat et puissant, à forte teneur émotionnelle, suivant une lignée qui s’étend de Joy Division à Slint ». Manque de bol, Bottomless Pit, c’est quand même bien chiant. De l’indie rock mou du gland, trop prévisible, qui, si teinté de mélancolie, n’atteint pas l’intensité des deux groupes précités. Les quatre membres ont l’air de royalement s’emmerder; un groupe à réécouter sur CD, lors d’un dimanche après-midi pluvieux et cafardeux.

On le sait, le pays du soleil levant n’a pas toujours enfanté des groupes toujours saints d’esprits: Boredoms, Ruins, Keiji Hano, Merzbow… Ce soir, c’est au tour de Melt Banana de nous montrer combien ces nippons peuvent être complètement tarés. En les voyant débarquer sur scène, on peut se douter de quelque chose. Une bassiste presque plus petite que son instrument, un guitariste qui porte un masque de chirurgien, un batteur qui ressemble à un moine shaolin, et une chanteuse qui parle un anglais avec un accent japonais quasi incompréhensible. Mias en les voyant jouer, le doute n’est plus permis, ces japs sont fous. Le quatuor balance une noise punk subsonique, sur lequel surnage la voix de crécelle pop de Yasuko. Le contraste est saisissant, le batteur, pendant tout le set, n’aura d’ailleurs aucune expression faciale tant son jeu demande concentration et maîtrise. En tout cas, le public parisien n’hésitera pas à lancer un bon petit pogo (si, si!) devant les torpilles lancés à 200 km/h par les japonais. On pourrait même les rapprocher de Fantômas, lorsque Yasuko annonce qu’ils vont jouer 8 titres à la suite ne dépassant pas la poignée de secondes: riffs épileptiques, et délire total. Une bonne demi-heure de fun transpirante aura donc été assurée par Melt Banana, une demi-heure presque trop courte, qui donne follement envie de les revoir.

Un peu de repos, et c’est au tour de Mission Of Burma, groupe essentiel d’indie rock des années 80, qui influencera bon nombre de groupes importants des années 90, tels que Pixies, Fugazi, Husker Dü… Malheureusement, ça n’empêchera au trio d’avoir un son infâme, archi brouillon, qui ne s’arrangera pas tout le long du set. Mais malgré cela, et un batteur pas toujours apte à insuffler les dynamiques idéales au combo, leur tubes punk seront tout de même fort appréciables. Je décroche quand même lors du rappel, l’impression de bouillie sonore ne faisant qu’augmenter, et vais chiner au stand de Melt Banana. Il y avait de la passion dans le trio, mais de la volonté et un jean disco années 2000 (celui du guitariste) ne suffisent pas.

Et maintenant, Shellac of North America.

Un groupe que j’adule, que je respecte, que j’honore depuis que le son d « At Action Park » a frôlé mes oreilles. Un groupe qui a toujours représenté pour moi l’authenticité, l’intégrité et la créativité au détriment d’une quelconque rentabilité putassière. Les trois membres sont installés côte à côte sur la scène. Arrivée du groupe. Pas un mot, Shellac attaque direct . Et ça fait mal. Quel son ! La guitare d’Albini est parfaite, tranchante comme jamais, aigue. On vendrait sa mère pour que sa guitare ait ce son. La basse de ce gros tas de Weston n’est pas en reste, chaque accord joué est un coup de boule dans le ventre. Et Trainer, mon dieu, ce batteur, avec sa tête d’abruti profond, est magique derrière sa batterie, d’une puissance phénoménale. Ce batteur sait définitivement où taper et quand taper. Le son est parfait, la setlist également. Aucun morceau ne cassant la dynamique du trio, si ce n’est un « The End Of Radio », d’une dizaine de minutes, exténuant, avec Trainer qui galope en long et en large de la scène en tapant sur une caisse claire. « Dog And Pony Show », « My Black Ass », « Steady As She Goes », que des titres mettant en place une tension hallucinante. Aucun blabla inutile du gros Weston cette fois ci, mais une blague vaseuse lue en français, même si il a l’air de se faire profondément chier, comme d’habitude apparemment. Shellac en live, ça prend une autre dimension: plus hargneux, plus puissant, plus tendu, plus grand. On aura évidemment le droit au show répétitif du trio, qui ne m’est heureusement pas pénible étant donné que c’est la première fois que je les vois: faux départs de “Be Prepared” qui ne font plus rire personne, solo de batterie de Trainer avec les deux autres gus tapant sur les cymbales, Albini qui fait l’avion sur « Wingwalker », et ces deux même gus qui enlèvent au fur et à mesure les éléments de batterie de Traîner la fin du show pendant que celui-ci joue. On aura tout simplement à faire à un concert de rock fabuleux, celui dont on peut en rêver encore pendant des mois et des mois en se disant ” j’y étais “.

C’était Shellac Of North America.

Ce concert, je l’ai attendu avec impatience. Animal Collective, l’un de mes groupes préférés, qui passe juste à côté de chez moi, avec en première partie Atlas Sound, side-project du leader des excellents Deerhunter, il y avait de quoi, il faut l’avouer. Depuis le début de la tournée d’Animal Collective, j’ai suivi avec attention toutes les setlists de leurs concerts pour appréhender les morceaux joués (j’ai même été jusqu’à me réveiller à cinq heures du matin pour voir leur concert retransmis en direct de Coachella sur Internet, pour la petite histoire) - tout en sachant très bien que quoiqu’il arrive j’allait être surpris; et tant mieux, car il n’y a aucun intérêt à voir un concert que l’on connait déjà par cœur; c’est Animal Collective après tout.

Le grand soir arrive et c’est avec une certaine agitation que j’entre - accompagné de deux amis et d’un frère, ça aide pour le côté convivial, il faut le dire - dans Le Grand Mix (qui se démarque une nouvelle fois par sa programmation exceptionnelle…)… Le matériel est déjà installé sur scène, le jeu de lumières particulier du groupe inclus (des sortes de néons placés en fond de scène). Après trente minutes d’attente (durant lesquelles on aura vu Avey Tare passer dans la salle), Bradford Cox, leader, et seul membre d’Atlas Sound sur cette tournée (sur la tournée américaine, il était accompagné d’un backing-band composé de membres de divers groupes de Kranky), entre sur scène, et surprend probablement la grande partie du public, puisqu’il s’assit par terre, plié en deux, et jouera tout son set de cette manière. Autant dire que c’est typiquement le genre de projets pour lesquels on peut se poser la question de l’intérêt d’une reproduction live: comment ont ressenti le concert toutes les personnes du fond de la salle ou tout simplement qui ne voyaient pas? Une question à laquelle je ne répondrais pas, puisque j’étais moi-même très bien placé (quatrième rang, en plein milieu, et personne de grand devant moi), et ai donc pu profiter du set dans les meilleures conditions. Cox nous abreuve donc pendant trente courtes minutes et six morceaux, parmi lesquels j’ai reconnu Cold As Ice (complètement retravaillé) et Recent Bedroom issus de l’album, de parties de guitare très shoegaze, de vocaux éthérés, et de programmations électroniques de qualité… Les morceaux sont pour la plupart enchainés, ce qui accentue le côté expérimental du set. J’ai l’impression qu’une grande partie du public est restée très sceptique (ou tout du moins très calme - il faut dire que ce n’est pas le genre de musique sur laquelle on attend un pogo, certes), mais pour ma part j’ai fortement apprécié cette pop/electro noisy et psychédélique. Les deux derniers morceaux en particulier se révèlent assez hypnotiques, et le dernier contient une excellente rythmique electronica: c’est donc prometteur pour la suite du projet…

Le set s’achève donc et laisse place à l’attente du collectif animal. Avey Tare, Panda Bear et Geologist (qui est ce soir pieds nus) vont et viennent, procèdent à quelques tests, puis se mettent finalement en place, dans la même configuration scénique que sur les concerts depuis un an: Geologist à gauche manipule divers samplers, tables de mixages, Panda Bear en fait de même à droite mais alterne avec son kit de batterie réduit, tandis qu’Avey Tare, au centre, dispose de son micro, de claviers, de quelques percussions, de guitares… Le set s’ouvre sur des vagues ambientes qui laissent vite la place au magnifique Dancer, qui a subi quelques transformations au niveau des paroles depuis l’an dernier. La transe commence lorsqu’après les quelques déclamations d’Avey, l’explosion psychédélique du morceau, accompagnée par des jeux de lumière du plus bel effet, nous transperce le cœur par sa beauté. Le groupe enchaine ensuite des morceaux à fort potentiel énergisant: Who Could Win A Rabbit? tout d’abord (l’introduction rythmique en particulier est exceptionnelle), puis, après une courte plage ambiente, le désormais classique Peacebone, qui a un effet jouissif dès son introduction acide. Panda Bear prend pour la première fois possession du kit de batterie, tandis qu’Avey se démène au niveau de la partie chant. Lors de la partie criée (”Yatta! Yatta! Yatta!”), les enceintes semblent dégager des vagues d’énergie tant on devient réceptif à cette musique. Pour calmer le jeu, le groupe a alors le bon goût de nous jouer le magnifique House (aux harmonies vocales retravaillées), avant d’enchaîner avec Bearhug, probable futur single du groupe: si la version de l’an dernier pouvait laisser un gout d’inachevé au niveau des paroles (mais c’est réellement pour chercher le détail), l’édition 2008 du morceau est tout simplement imparable. Avec sa rythmique techno accompagnée d’une mélodie simple mais imparable, et une partie vocale à nouveau irréprochable, ce morceau est probablement le prochain Peacebone du groupe…

Après Bearhug arrive l’un des moments forts du set. Une rythmique tribale apporte une tension insoutenable qui laisse après un temps sa place au fantastique Song For Ariel. Et là, l’expression “transe chamanique” prend réellement tout son sens. Après la partie folk, c’est une véritable séance d’hypnose qu’organise le groupe, en étirant sur des minutes entières des fragments de voix, des sonorités exotiques, et toujours cette rythmique, cette rythmique entêtante qui reste scotchée dans votre crâne pour des jours après le concert, le tout subissant un traitement à l’écho: c’est tout simplement incroyablement captivant.

A ma grande surprise, le groupe n’enchaine pas avec son tout nouveau morceau, Lion In A Coma, joué sur presque toutes les dates (le morceau ne sera pas joué ce soir là; Grass, ressorti en version electro cette année, n’a pas non plus été entendu), et nous offre à la place la première pause du set. Avey prend alors pour la première fois sa guitare, et les premières notes du féérique Chocolate Girl, issu du premier album du collectif et réapparu cette année, se font alors entendre. Contrastant avec les accents hautement psychédéliques et acides des derniers morceaux, cette chanson pop/folk, ponctuée par les cris d’Avey durant le refrain, tombe vraiment au bon moment. Elle est logiquement enchainée avec Comfy In Nautica, extraite du génial Person Pitch de Panda Bear et contenant ici d’impressionantes déflagrations de basse.

Animal Collective nous livre alors un autre temps fort du concert, le genre d’instants qui vous met les larmes aux yeux: l’inattendu Grace, assez rare ces derniers temps. Ce morceau, qui était, même si je l’appréciais, l’un de ceux que je considérais comme les plus faibles parmi les dernières créations du groupe, s’est révélé en concert être probablement mon morceau préféré. La première section nous achève par sa splendeur, alors que la seconde partie, beaucoup plus lumineuse (les néons contribuent à installer cette ambiance), nous enchante, avec ces flutes de pan, cette rythmique déstructurée dont les basses résonnent dans tout votre corps. A peine sorti de ce voyage que le groupe nous fait à nouveau décoller, cette fois pendant plus de quinze minutes, avec le cocktail Fireworks / Essplode, habituel dans les setlists des deux dernières années. Le groupe y a apporté des modifications pour 2008, et c’est avec surprise que le morceau s’ouvre sur des rythmes très sombres, alors qu’Avey semble chanter dans une langue extraterrestre, d’une voix étrange (je pensais premièrement qu’il la filtrait par une pédale d’effet, mais ce n’était pas le cas), rappellant presque Sigur Ros! Autre nouveauté, un jam de guitare électrique très prenant est ajouté avant le retour à Fireworks, accompagné par des lumières épileptiques, et se révélant être le meilleur moment du morceau, nous envoyant droit à des attitudes stratosphériques. Le groupe achève son set avec l’excellent Brother Sport, qui est déjà considéré comme un classique du groupe alors qu’elle n’est pas encore sortie en album! Elle tient ce soir toutes ses promesses: la montée est géniale, l’explosion, foudroyante, alors que le groupe nous fait finalement redescendre avec l’incantation finale.

La scène est alors fortement brumeuse, installant une ambiance mystérieuse, alors que de nombreux hurlements se font entendre dans le public pour demander un rappel. Bien entendu, nos trois chamans reviennent bien vite sur scène, et entament un autre morceau imprévisible: le magnifique Nomorerunnin’, rare ces derniers temps, mais toujours aussi magnifique. Il n’a subi presque aucun changement par rapport à l’an dernier, mais il semble déjà tellement parfait que ce n’est vraiment pas un mal… Le groupe nous quitte alors sur le définitivement génial Leaf House, tribal à souhait. Malgré les cris soutenus du public, le groupe ne revient pas sur scène et les lumières finissent par se rallumer.

Je ne suis surement pas très objectif, mais j’ai réellement l’impression d’avoir assisté à un grand concert ce 25 Mai… Une setlist idéale (bien sur, on peut débattre sur le fait que Grass ou We Tigers, entre autres chefs-d’œuvres du groupe, mais on a tout de même eu la chance d’entendre les géniaux Grace, Dancer, Song For Ariel), une interprétation parfaite, un son sans faille (allez, pour pinailler, les voix auront peut être été un tantinet brouillonnes sur le début du set, mais ce n’était vraiment pas grand chose). Le genre de concerts dont on a envie de parler à tout le monde, dont on a envie de dire “j’y étais”, “j’ai vu Animal Collective en 2008″ - c’est peut-être naïf, mais c’est comme ça. Animal Collective confirme sa place au panthéon des groupes actuels avec une prestation live incomparable, une véritable expérience dont on ne ressort pas indemne, tour à tour splendide ou jouissive, calme ou énervée, psychédélique ou planante… Près d’une semaine après le concert, les incantations d’Avey Tare et Panda Bear se répètent toujours en écho dans mes oreilles, et les souvenirs ne sont pas dissipés - et ne dissiperont probablement pas de sitôt.

Setlist d’Atlas Sound:

1. ?
2. Cold As Ice
3. Recent Bedroom
4. ?
5. ?
6. ?

Setlist d’Animal Collective:

1. Dancer
2. Who Could Win A Rabbit?
3. Peacebone
4. House
5. Bearhug
6. Song For Ariel
7. Chocolate Girl
8. Comfy In Nautica
9. Grace
10. Fireworks / Essplode
11. Brother Sport

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12. Nomorerunnin’
13. Leaf House

« Qu’est-ce qu’on se fait chier ». Le type devant moi n’a pas tort. Cette première partie, Atlas Sound, side project d’un mec de Deerhunter, n’est tout simplement pas adaptée au live. Accroupi sur la scène (je n’ai vu que sa touffe de cheveux lors de son set), je n’arrive pas à voir ce qu’il bidouille, mais parfois, il joue de la guitare. Passé deux minutes son électro-ambient éthéré devient vite fort ennuyeux, manquant cruellement d’intensité et de rythme. Une bonne B.O à la limite, mais ça ne passe pas en concert.

Une bonne demi-heure d’attente, et voici le collectif animal qui fait son entrée sur scène. Deux membres aux extrémités, Geologist à gauche, et Panda Bear à droite, aux machines, Panda s’affairant de temps en temps derrière une batterie constituée d‘une caisse claire, d‘un tom basse, d‘une cymbale et d‘un charley; et Avey Tare au centre, valsant entre guitare, percussions et bidouillages divers, sans oublier le chant, souvent secondé par son acolyte de droite. Ainsi, si Animal Collective démarre son set en douceur, sur un titre lancinant et minimaliste, celui-ci ne cessera de gagner en intensité au fil des titres. La batterie, si elle n’est utilisée qu’à partir du milieu de la prestation du trio, insufflera une dynamique quasi-tribale, idéalement énergique, qui colle parfaitement à leur univers. L’énergie, ce n’est d’ailleurs pas ce qui leur manquera: totalement pris par leur musique, il faut voir Avey Tare se trémousser sur « Peacebone », excellent single joué ce soir là, pour comprendre que ces types se donnent à fond dans leur musique. Et c’est véritablement là, en live, en chair et en os, qu’Animal Collective prend toute son ampleur. Que ce soit lors de leur chansons les plus psychédéliques où les plus rythmées, la musique du trio est toujours propice au rêve. Ce genre de rêve enfantin, qui reflète parfaitement la vision qu’on peut avoir de la musique du groupe: des gens qui se seraient mis en tête de pervertir, de détourner la pop façon Beach Boys, en y insufflant une intensité phénoménale, une énergie tribale, quelque chose d’imprévisible mais aussi toute la nostalgie et la mélancolie que cela peut laisser supposer, et en déglinguant cette pop de toute part, pour en faire un mutant passionnant. Il suffit de fermer les yeux pour se laisser transporter par la multitude de sons, vous enveloppant, s’enchevêtrant; porteur de couleurs, à l’image des néons disposés à l’arrière de la scène, projetant toutes les couleurs primaires, à tour de rôles.

Je ne peux préciser la setlist avec exactitude, ne connaissant pas tout du trio, mais dans mon souvenir. « Grass », « Loch Raven », « Fireworks », et « Peacebone » ont été joués, ainsi que « Brother Sport » - c’est en tout cas ce que n’arrêtait pas de beugler un type à côté de moi, ce que je trouvait amusant, mais n’étant visiblement pas du goût du public, bidon ce soir là, trop blasé - et Animal Collective aura donc offert une prestation très convaincante ce soir en dépit d’une première partie un peu mollassonne.